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Dónde ver galerías de arte en el área de Washington

Suspensión

En el piso de la sala delantera de la Galería de Arte de la Universidad de Maryland hay docenas de pantuflas en tonos verdes, dispuestas en forma de abanico. Pero «Mar Caribe» de Tony Capellán no es solo una colección de objetos encontrados a lo largo de un río en la República Dominicana: en cada sandalia, en lugar de la correa que generalmente asegura el dedo gordo del pie, hay un lazo de alambre de púas, que simboliza barreras hostiles y fronteras El artista ha convertido los zapatos baratos en algo duro y peligroso. En esta instalación, la pieza también cumple otra función: guiar los pies de los asistentes a la galería hacia la mayor parte de «Re-Cast: Sculptural Works from the Art Museum of the Americas».

La exposición de obras escultóricas raramente vistas del Museo del Centro se extiende cronológicamente desde 1942 hasta 2018 y estilísticamente desde lo formal hasta lo no convencional. El programa fue moderado por los estudiantes graduados de Maryland Marco Polo Juarez Cruz, Clea Masiani y Gabriel Tellenberg, con la supervisión de la profesora Abigail McEwen.

Algunas piezas atraen principalmente a la vista. El Toyota brasileño-japonés Yutaka instala soportes de metal brillante cuyas superficies curvas actúan como una especie de divertido espejo. El ecuatoriano Estuardo Maldonado yuxtapone formas en relieve de acero inoxidable brillante que pasan de colores oscuros a claros y de anchos más gruesos a más delgados. El argentino-eslovaco Gyula Kosic pinta un hemisferio de plástico retroiluminado con pequeños nodos brillantes de color blanco, azul o rojo, que indican un asteroide instrumental o una luna.

No hay obras realistas, pero algunas son representativas. Nacido en Brasil de padres judíos austríacos, Nair Kremer cultiva una arboleda de siete árboles de madera desnuda, o quizás flores grandes, independientes sobre varillas de acero. El chileno Raúl Valdivieso Rodríguez funde la serpiente emplumada de la leyenda mesoamericana en bronce fundido verdoso, mostrando a la criatura abierta con garras, pico y fauces. El haitiano Georges Liutaud cortó y martilló piezas de hierro en el cuerpo áspero y una cruz deslumbrante para su «crucificación». La miserable escultura se encuentra en el centro de la trastienda de la galería, justo en el camino lleno de baches que señala Mar Caribe.

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Refundición: Obras escultóricas del Museo de Arte de las Américas Hasta el 2 de diciembre en Art Gallery, Parren J. Mitchell Art-Sociology Building, University of Maryland, College Park.

La mayoría de las obras de «ARTgineering v2.0», una secuela del Otis Street Art Project de 2017, contienen elementos mecánicos o electrónicos. Esto no la hace inhumana. Muchos de ellos responden a la presencia o contacto del visitante: el toque de un arco en uno de los violines de alambre de Emily Francisco convoca el sonido de una estación de radio; Acercándose al osito de peluche de la casa de Michelle L. Hermann hace que parezca que está respirando; Y al presionar el botón rojo se activa la compleja suite de medios mixtos de Kelly Heaton, que está coronada por un pato de alta tecnología en un incinerador simulado.

El movimiento es independiente en la pieza de Billy Fribel, cuyas luces rojas parpadeantes simulan el movimiento de un banco de peces, así como en el sorprendente video de Frank McCauley de una figura que parece tener un movimiento fluido debajo de una hoja de metal reluciente. El video, que supuestamente se realizó sin efectos especiales, parece anunciar la existencia de un nuevo superhéroe: Mercury Man. Una pila de luces de diferentes colores anima la escultura de pared de Melissa Borley, hecha en gran parte de muebles encontrados.

Las piezas que no parpadean, brillan ni se mueven son de Jason Pollock (cuya «figura de acción» de tamaño natural se ha presentado localmente) y Jason Gubeauty. Las tres pinturas de Gubbiotti pueden parecer las obras menos geométricas expuestas, pero el enfoque del artista es resaltar la geometría de sus creaciones. Si bien el estilo de pintura de Gubbiotti es abstracto, yuxtapone colores planos con grietas y bordes que insisten en la fisicalidad de las imágenes.

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Ingeniería de arte v2.0 Hasta el 3 de diciembre en Otis Street Art Project, 3706 Otis St. , Monte Rainier.

La cera es el motivo común en Playing with Fire, una muestra de seis artistas en la Galería Martha Spack, pero muchas de las piezas más llamativas también se basan en el metal. Las pinturas escultóricas de Kevin Milstead combinan suntuosamente cera y pigmentos con metales blandos como el estaño, el plomo y el oro. Los motivos circulares del artista sugieren planetas medio visibles o un sol cuyo exterior fundido parece desvanecerse con su calor.

Milstead también coloca hojas de ginkgo en arreglos dispuestos debajo de la cera, una estrategia similar a la de las composiciones de aves cubiertas de cera de Marty Ittner. Círculos y líneas cuidadosamente elaborados bailan bajo la cera en las abstracciones de David Evans, que evocan el espíritu jazzístico de Mondrian. El trabajo de Katie Dale Kauffman también es geométrico, a veces incorpora formas arquitectónicas tridimensionales que dan a las piezas una profundidad literal.

Los otros dos colaboradores extraen más del paisaje, aunque no tan literalmente. «River View» de Kathleen Anderson muestra una fina gota de azul sobre una banda naranja fuertemente estampada. Nancy Haskaylow evoca el cielo y la tierra al yuxtaponer el tinte azul con un área de polvo cobrizo aplicado de manera espesa. En esta selección de arte dirigido por la cera, el metal juega un fuerte papel secundario.

el juega con fuego Hasta el 4 de diciembre en Martha Spack Fair, 40 Square District. Sur oeste.

La máquina de escribir manual del escaparate de Addison/Ripley Fine Art da una idea del último trabajo de Julia Bloom. La nueva serie del artista de DC, concebida inicialmente durante el aislamiento de la era de la pandemia, utiliza pergaminos gruesos impresos como telón de fondo para formas geométricas simples y curvas dibujadas en carboncillo. El texto y las figuras suelen ser negros y generalmente están dispuestos en papel de color asiático hecho a mano. Bloom llama a las fotos «papeles de permiso» porque le dieron permiso para hacer algo sin precedentes en su carrera.

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Las piezas son modestas en tamaño y medios, por lo que parece apropiado que también sean, en cierto modo, íntimas: se dice que las palabras están tomadas de los diarios de Bloom, aunque en su mayoría son ilegibles. (Casi todas las letras están etiquetadas con la fecha 2021-22 para una entrada). Aparte de algunas excepciones legibles, las letras mecanografiadas cumplen un propósito puramente visual; Las letras minúsculas aplastadas llenan y definen el espacio mientras contrastan con círculos parciales negros sólidos. Esto es minimalismo construido sobre montones de detalles personales, aunque más ocultos.

Julia Bloom: Hojas de permiso Hasta el 3 de diciembre en Addison/Ripley Fine Art, 1670 Wisconsin Ave. NOROESTE.